Dès ses premiers pas au sein d’une boîte d’arts graphiques, Kowalski a manifesté le besoin d’être en contact avec l’image. Ce travailleur inlassable aime pétrir, manipuler, digitaliser, colorier et retoucher ses créations cherchant par là à extérioriser ce qu’il éprouve en son fort intérieur.

Ses œuvres sur toile ne sont pas destinées à être simplement regardées, mais sont faites pour être ressenties, touchées et vues avec l’esprit, le cœur et les mains. L’apparente simplicité des figures laisse deviner un savoir-faire et une maitrise de la couleur qui met la peinture abstraite à la portée de chacun.

Séduit par l’art du photogramme, qui rappelons-le était à l’origine l’art de produire une image photographique en combinant divers objets sur un film ou sur du papier photo, avant de l’exposer sous la lumière, Kowalski suit la voie des photogrammes, en substituant le travail avec un logiciel de retouche numérique à celui avec la pellicule photosensible.

La matière première pour ses images est constituée de photos numériques prises par lui-même, auxquelles il impose divers traitements grâce à une palette d’outils et de filtres numériques variés. Ses photogrammes numériques sont répertoriés en multiples collections et thèmes aux noms imaginaires et quasi fantastiques : Infrapikt, Roots, Fascape, Print O Matic, Inner Sanctum…

Pour en savoir plus sur cet artiste contemporain, cliquez ici : http://kowalski29.overblog.com/

Sa première source d’inspiration fût Salvador Dali, grâce à un livre d’art que son grand-père lui offrit à l’âge de 11 ans. Son premier lien avec la forêt vient de ce même grand-père, Zigmund in WWII, lorsque celui-ci se cachait des nazis dans la forêt, y trouvant une échappatoire au monde cruel et horrifiant qui l’entourait. Cette histoire étonnante a été décrite largement, ainsi que la vie de Zigmund, dans le livre « Dans les forêts de Sibérie ». Le salut par la forêt était si puissant, qu’il a affecté cette famille à travers les générations et a perduré à travers Eran Algor.

Ses peintures sont particulièrement puissantes et leur énergie injecte une nouvelle vie dans l’espace créatif. Sa source d’inspiration la plus significative est le monde magnifique de la forêt. Les plus insignifiants bruits des animaux sylvestres et l’harmonie dans laquelle ils vivent, le bruit du vent dans les feuilles et les rayons de soleil filtrant à travers les branches des arbres – toute ceci transparait dans les créations d’Eran Algor.

« Il est nécessaire de comprendre le processus de création, afin de produire des œuvres parfaites. Même à l’étape consistant à sélectionner le bois pour le cadre, il est important de sentir le parfum de la forêt tropicale, d’où ils ont été extraits pour accomplir leur destinée. Après avoir étiré la toile pour la première fois, il est nécessaire de partager ces instants avec lui, sentir sa présence et s’attacher à lui. La pièce entière est créé comme si vous éleviez un enfant ».

Eran Algor se souvient des longues heures passées à errer dans la forêt lorsqu’il n’était qu’un enfant. Son grand-père lui enseignait à écouter les mélodies et les sons produits par les arbres et la végétation. C’est à ces moments là qu’il sentit cette lumière tranquille et intérieure, qui lui a donné une inspiration profonde pour son travail d’artiste. Jusqu’à maintenant, et avant même qu’il ne commence une nouvelle œuvre, il s’appuie encore sur les conseils de son grand-père, passant son temps seul dans la forêt, parmi les arbres, afin d’y trouver son inspiration.

Pour voir les œuvres de Eran Algor Groskopf, visiter son site : www.algorarts.com

Autodidacte, elle a commencé à peindre dès son enfance avec des pastels à l’huile et à reproduire des  timbres avec un grand sens du détails.

Puis elle s’est mise à peindre des tableaux à l’acrylique, notamment des séries sur du bois et du liège avec pour thématique les nus, les danseuses et les animaux. Ces supports originaux donnant de la dynamique (par les nervures) ou de la texture (par le grain du liège) à ses tableaux. Quant a elles, les séries sur du bois sont aériennes, légères et naturelles.

Enfin, elle a commencé des paysages à la peinture à l’huile.

De 1997 à 1999, elle a beaucoup produit et exposé de peintures et voici l’historique de ses expositions durant cette époque :

• du 01 au 21 octobre 1999  : à la Galerie de la Caisse d’Épargne Fongiève à Clermont-Ferrand.
• du 07 au 26 septembre 1998 : au Crédit-Agricole des Salins à Clermont-Ferrand.
• du 26 février au 10 mars 1998 : à l’Espace culturel de l’Auvergne Mutualiste à Clermont-Ferrand.
• du 20 au 21 décembre 1997 : à la salle des fêtes de Vic le Comte à l’occasion de la fête du livre.
• du 11 au 24 avril 1997 : à Peuple et Culture à Clermont-Ferrand.

Après une longue pause de presque 10 ans, elle se tourne vers la création personnelle contemporaine sur toile, découvrant ainsi et appréciant de plus en plus la peinture au couteau pour son caractère dynamique. Elle commence alors une série sur le désir, l’amour et la sensualité initiée par le tableau « Invitation sexy ».

De temps en temps, elle peint des toiles abstraites car elle aime alterner peintures difficiles, techniques avec peintures expressives et moins techniques. Ses dernières expositions sont les suivantes :

• du 15 au 17 Mars 2013 : à la Maison Paradan à Castries.
• du 12 au 14 octobre 2002 : à la Galerie des Halles à Castries.

J’ai deux objectifs quand je peins :  me libérer artistiquement et arriver à trouver un style propre à moi ainsi que me perfectionner et me lancer des défis techniques (comme dans le tableau intitulé « L’intervention »).

Pour la petite histoire personnelle, Valérie est handicapée avec beaucoup de douleurs dorsales. À chaque période de santé critique correspond pour elle un élan et un retour artistique. La douleur la stimule car pour l’évacuer, elle se réfugie dans la peinture. L’art est un vrai moyen d’expression, un espace d’échange d’émotions entre le spectateur et le peintre. Pour elle, il est libérateur et lui permet de s’évader. Le premier tableau initiateur de son retour artistique avec la création personnelle est « L’intervention ». Les pièces de dominos sont une métaphore de sa colonne vertébrale défaillante.

Pour information, Valérie Reboisson réalise aussi des tableaux sur commande et certaines de ses œuvres peuvent être achetées en ligne.

Cliquez ici pour visiter son site personnel : valeriereboisson.e-monsite.com

Cliquez sur les images ci-dessous pour voir un extrait des œuvres de Valérie Reboisson :

Si au départ son attention se concentre sur la calligraphie et le signe, qu’elle fait apparaitre dans ses œuvres sous forme d’éléments abstraits, ceux-ci s’estompent au fur et à mesure pour laisser place aux techniques du clair-obscur.

Cherchant à susciter des émotions plutôt qu’à imposer une vision tyrannique et toute faite, elle avoue préférer les évocations abstraites au réalisme figuratif. Ainsi donc, le spectateur confronté à ses œuvres devient acteur, s’appropriant les ambiances évoquées et restant libre de les interpréter suivant sa sensibilité et son histoire personnelle.

Ses créations sont en perpétuelle oscillation entre la peinture figurative et abstraite. C’est donc sans surprise que lorsque rien n’est évoqué en particulier on se retrouve tenté de deviner ici et là des ciels, des brumes, des orages ou l’esquisse de personnages.

Actuellement, Magali Mélin continue ses expérimentations en utilisant des techniques mixtes sur divers matériaux : papier, carton, bois, toiles… 

Magali Mélin est en exposition permanente à la galerie SBK (Sarah Blancardi Kalbache) du 24 rue des remparts d’Ainay à Lyon. Il est également possible de visiter son atelier sur rendez-vous.

Pour plus d’infos : http://magalimelin.wix.com/peinture/

Cliquez sur les images ci-dessous pour voir un extrait des œuvres de Magali Melin :

Privilégiant la culture du Sud-Ouest, cette artiste se sent très attirée par les couleurs chaudes et vibrantes du sud, en particulier le rouge, mais également par des thèmes tels que le soleil, la musique, les corridas et le flamenco (pour se rapprocher de l’Espagne).

Au fur et à mesure des années, ses tableaux ont évolués en passant par une époque où elle pratiquait systématiquement le marouflage sur ses toiles, pour finalement l’abandonner complètement pour revenir à une peinture pure.

Françoise Mengelle vient d’achever une nouvelle série de toiles concernant la corrida vue sous un autre regard, plus mystique que celui qu’on lui connait, et où l’arène est simplement évoquée par l’attitude des toreros avant leur confrontation finale avec la bête. Elle évoque ainsi l’inquiétude du « ganadero » observant le comportement du « toro » durant le combat.

Pour avoir plus d’informations sur cette artiste, vous pouvez visiter son site ici : www.francoise-mengelle.com

Cliquez sur les images ci-dessous pour voir un extrait des œuvres de Françoise Mengelle :

Passionné depuis sa plus tendre enfance par le dessin et la peinture, il fait de son métier de peintre en lettres et de sérigraphe un moyen de gagner sa vie tout en restant proche de sa passion, avant de s’y consacrer totalement par la suite.

Sa peinture est résolument figurative , toutefois il lui arrive d’utiliser l’abstrait dans quelques toiles en fond de tableau. Son inspiration est la femme sous tous ses aspects : portraits bien sûr mais également nus et autres scènes intimistes.

Il se dégage de ses toiles à l’huile une atmosphère de douceur, d’élégance et de poésie, souvent de mélancolie et parfois de doux érotisme. Il semble que le thème principal, à savoir la femme, soit un prétexte pour traduire un besoin d’idéalisation.

Du point de vue pictural, on peut remarquer dans la plupart de ses œuvres une forte composition alliée à un certain talent de coloriste.

Guy Baron expose un peu partout en France : Lyon, Valence, Orange, Amélie les Bains, Bourgoin, La Tour du Pin, Étoile sur Rhône, etc.

Pour voir ses toiles, consultez son site : www.baronguypeintre.com

Cliquez sur les images ci-dessous pour voir un extrait des œuvres de Guy Baron :

Si dès les années 80, il acquière une certaine notoriété dans sa ville natale, grâce à ses peintures murales en trompe-l’œil, il décide d’étendre ses activité jusqu’à l’Europe toute entière en réalisant des décors muraux à destination de clients prestigieux.

De 1985 à 2005 il expose régulièrement dans les villes de Nancy, Dijon, Paris, Chalon sur Saône, Cannes ainsi qu’à Eastbourne en Angleterre. Les thématiques de ses expositions sont à ce moment là « Pastels et huiles » ainsi que « Anaglyphe » une série de peintures en 3D dont le relief ne peut être apprécié qu’au travers d’une paire de lunettes semblable à celle que l’on utilise au cinéma.

C’est en 2005 qu’il se lance dans la série des toiles en rémanence dont le point d’orgue est une exposition permanente pendant 5 années de suite sur le Toit de la Grande Arche de la Défense à Paris. Depuis 2010 il expose dans son propre atelier-galerie, la galerie Dimitri, sise au cœur du village médiéval d’Eze dans les Alpes-Maritimes.

En perpétuelle exploration des techniques de peinture virtuelle, Dimitri Parant compte également parmi les artistes peintres maîtrisant la technique de l’anamorphose, un procédé qui permet de peindre des œuvres délibérément déformées qui lorsqu’elles sont visualisées sous un certain angle, recouvrent leur sens premier.

Pour voir les œuvres de Dimitri Parant, visiter son site ici : www.dimitriparis.com/

Pour voir le visage caché dans l’image au dessus il suffit de fixer le petit point blanc situé entre les deux yeux du portrait durant 30 secondes approximativement. Puis, en fermant les yeux ou en fixant une surface blanche pendant 10 secondes environ, l’image réelle apparaîtra comme flottant devant soi.

Cliquez sur les images ci-dessous pour voir un extrait des œuvres de Dimitri Parant :

Très tôt, il se consacre à la peinture et au dessin et débute ses études artistique à l’école supérieure d’art moderne de Paris puis continue son étude des arts graphiques en Belgique.

Ce n’est qu’à l’adolescence qu’il découvre sa passion pour la musique ce qui le conduit au conservatoire russe de Paris ainsi qu’à l’école normale de musique. Son assiduité à la pratique du piano conjuguée à son talent lui permettent de décrocher un prix d’excellence.

Attiré par le monde de l’abstraction qu’avaient prophétisé en son temps des artistes tels que Kandinsky, il aime à retranscrire sur la toile les visions oniriques et autres phantasmes que la musique suscite au plus profond de son être.

La double casquette « peintre – musicien » lui permet d’appréhender la création sur toile comme l’improvisation ou la composition musicale. En effet pour Christophe Villedary le support représente la cadence d’accords sur laquelle viennent se développer le thème musical et les lignes mélodiques.

« Je conçois  un tableau comme une feuille ou une forme musicale. »

Cet artiste a exposé à Paris, Marseille, Aix en Provence et Nîmes. Installé à Uzès dans le Gard, il présente ses toiles régulièrement dans la région Languedoc Roussillon et au delà.

Cliquez ici pour visiter son site : www.art-contemporain-villedary.com

Cliquez sur les images ci-dessous pour voir un extrait des œuvres de Christophe Villedary :

Après des études à l’Académie d’Arts et de Design Betzalel de Jérusalem, d’où il sort diplômé, il commence à peindre en 1986 l’étonnante succession de toiles qu’il nomme « La création du premier jour jusqu’à samedi » qui retrace la genèse du monde.

À travers cette série de tableaux, Elie Elgarat essaie de nous donner une vision laïque des origines de l’univers en présentant ce récit biblique comme une simple chronique de l’évolution.

Dans chacune de ses séries de toiles, depuis la « Création » jusqu’à « Nuit » sa nouvelle thématique créée en 2012, en passant par « La galaxie » ou encore « Vol d’oiseau » ou « Relation », Elie Elgarat utilise des couleurs chaudes et riches et se plait à jouer avec les matières pour mieux nous faire découvrir son univers.

Désireux d’exprimer au plus près les couleurs, formes et paysages qu’il ressent au plus profond de lui-même et afin de mieux emporter son public dans le temps et le rêve, l’artiste utilise diverses techniques telles que la peinture à l’huile, l’acrylique, la craie et d’autres méthodes personnelles qu’il continue de développer au fil des années.

Pour plus d’infos visiter la galerie de cet artiste ici : Elgarat-Gallery.com

Cliquez sur les images ci-dessous pour voir un extrait des œuvres de Elie Elgarat :

Pionnière de la vente à distance, la marque fut l’une des premières à publier un catalogue pour la vente par correspondance mais c’est finalement beaucoup plus tard, en mai 2012, que le groupe inaugurera sa boutique de vente en ligne. Entre temps, un réseau de 50 boutiques aura vu le jour en France métropolitaine, au sein duquel on retrouve d’autres marques spécialisées dans l’encadrement et les arts graphiques, telles que Art’pro, Artéïs, Graphigro ou encore Color’i.

Sur son site Internet il est possible de trouver un éventail complet de fournitures pour les amateurs et les professionnels des loisirs créatifs, des beaux-arts et des métiers d’art en général. Parmi les plus de 20 000 références, chacun y trouvera les services, outils et matières lui permettant de mener à bien ses projets créatifs.

Cliquez ici pour accéder au site de Rougier & Plé.

À noter que pour toute commande, quel qu’en soit le montant vous pouvez bénéficier de l’une de ces deux remises jusqu’au 31 mars 2013.

Le code promotion AF578X valable pour tous donne droit à la livraison gratuite.

De son côté le code AR5452, apparemment réservé aux nouveaux clients passant leur première commande en ligne donne droit à une remise immédiate de -15%.

Pour information, la boutique en ligne est divisée globalement en 6 sections. Tout d’abord les arts graphiques, qui est le rayon où l’on peut acheter tous les types de peinture (huile, acrylique, aquarelle, pastel et gouache) ainsi que le nécessaire pour le dessin (artistique ou technique). Dans cette section on retrouve également des fournitures pour la linogravure, la calligraphie et l’aérographie.

Parmi les articles du rayon des arts plastiques, il y a les outils nécessaires à la pratique du moulage et du modelage, des loisirs papier et du maquettisme.

La troisième section, celle des arts créatifs à proprement parler, regroupe les indispensables pour pouvoir customiser les textiles et les objets personnels : peinture déco, décopatch, confection d’abats-jour, encadrement, carterie et décoration culinaire créative.

La quatrième section quant à elle est celle de l’artisanat d’art et de la restauration. Ces quatre rayons sont complétés par les deux suivants.

Pour celles et ceux, intéressé(e)s par l’éveil créatif de leurs bébés, enfants ou adolescents, Rougié et Plé propose également tout le nécessaire pour les travaux manuels : coloriages et de découpages, modelages et moulages, stickers gommettes, maquettes et jeux de construction, pochoirs et tampons, maquillages de fête, origami et mobiles, customisation de poupées, scrapbooking, etc.

Enfin, pour ceux en manque d’idées cadeaux, le site donne des exemples de présents pour les évènements marquants tels que les anniversaires, la fête des mères et des pères, Noël, la Saint Valentin…

Cette enseigne des beaux-arts et des loisirs créatifs est présente physiquement dans les villes de Paris, Lyon, Marseille, Toulouse, Bordeaux, Aubagne, Lille et Nantes pour ne citer que celles-là. Si vous désirez savoir si l’un des 50 magasins du groupe est implanté votre ville, cliquez sur la carte ci-contre.

Durant 40 ans, il est tour à tour cameraman, journaliste en presse écrite et télévisuelle ou encore photographe de presse et c’est seulement à sa retraite qu’il décide de se remettre à peindre comme le lui avait appris son père quand il avait huit ans.

Quelques connaissances en multimédia qu’il avait acquises lors de la création en 1995 du site Internet du quotidien régional « Le Bien Public » le mènent à créer sa propre galerie virtuelle où l’on peut trouver ses toiles, présentées sous forme de carrousel avec les miniatures cliquables pour mieux les apprécier agrandies…

L’artiste avoue que ses œuvres présentent une certaine corrélation avec la musique d’orgue, qu’elle soit de Messiaen ou de Guillou. À l’instar de ces deux musiciens, il définit son processus créatif comme tenant plus de l’inspiration que de la planification.

Pour en savoir plus sur cet artiste, rendez-vous sur : http://danielcherubin.fr

Cliquez sur les images ci-dessous pour voir un extrait des œuvres de Daniel Cherubin :

De 1994 à 1998, elle deviens membre de l’Association des Artistes Français et participe à de nombreuses expositions collectives, autant nationales qu’internationales. Elle ouvre une galerie permanente à son domicile et poursuit des expositions personnelles annuelles dans différentes communes régionales. Parallèlement, elle devient enseignante en art plastique pour l’éducation nationale.

Depuis 1992, elle anime des cours et stages pour adultes en France au sein de l’association « Loisir et Culture » où elle encadre et fait partager ses découvertes et recherches sur les innombrables possibilités de la technique de l’aquarelle. Forte de cette expérience, elle dirige ensuite des stages aux quatre coins de la France ainsi qu’à l’étranger.

Toute cette pédagogie lui permet de collaborer de 2008 à 2013 avec le magazine « Plaisir de peindre » des Éditions « Diverti » sous forme de cours illustrés et de pas-à-pas.

Partie dans l’aventure de la création en autodidacte, elle souhaite constamment trouver d’autres moyens d’expression artistique, c’est pourquoi elle se lance dans les décors, les illustrations de livres de contes, et fin 2012 dans la réalisation d’un livre d’aquarelles sur la région des Landes…

En parallèle à ces nombreuses activités, elle s’approche de l’hyperréalisme par le biais de trompe-l’œil et de peintures murales dans les intérieurs et les rues, puis d’œuvres pharaoniques sur des surfaces gigantesques telles que les façades d’ immeubles, les châteaux d’eau et les stades.

L’Aquarelle reste ma technique préférée, de part sa complexité, sa sincérité, sa transparence et la fusion parfois aléatoire des pigments dans une eau difficile à dompter qui engendre excitation et surprises. La peinture c’est l’optimisme, l’aventure, la magie, le bonheur plus que parfait.

Pour plus d’information sur cet artiste, visitez son site : www.annelarose.com

La démarche de Frédéric Barrau s’inscrit dans un projet récurrent : la création d’une matière première pour l’imagination du spectateur.

Pour cet artiste, il s’agit organiser un certain nombre d’éléments plastiques propices au vagabondage du regard pour établir entre le tableau et le spectateur un rapport semblable à celui de l’interprète et de sa partition musicale.

Les développements les plus récents de ce projet  sont les « méditations » (2010-2012) qui ont pour point de départ l’observation recueillie et précise d’un objet banal.

Il s’agit ensuite pour lui d’abstraire de ses reproductions consciencieuses et réitérées, les éléments qui font en quelque sorte « l’apparaître d’une chose » : reflets, transparences, distorsions…

Il me semble trouver tant un écho qu’une synthèse de cette approche dans ce court extrait de G. Perec: « Il s’accroupit sur son tapis prit son inspiration […]. Son imagination vaquait. Au fur et à mesure qu’il s’absorbait, scrutant son tapis, il y voyait surgir cinq ; six, vingt, vingt-six combinaisons brouillons fascinants mais sans poids, lapsus inconsistants, obscurs portraits qu’il ordonnait sans fin ». (G .Perec « La Disparition »)

Pour voir le site de l’artiste peintre Frédéric Barrau cliquez ici : fredericbarrau.free.fr

Cliquez sur les images ci-dessous pour voir un extrait des œuvres de Frédéric Barrau :

En effet, sur geant-beaux-arts.fr tout est pensé pour l’artiste, à commencer par leur catalogue de plus de 45 000 références, dont plus de 20 000 couleurs et 5 000 nouveautés au meilleurs prix.

Riche d’une expérience de plus de 40 ans dans la VPC de fournitures pour artistes, ce leader européen, d’abord installé en Allemagne sous le nom de Gerstaecker, s’ouvre en 1999 au marché français pour le plus grand bonheur des artistes de l’hexagone.

Cliquez ici pour visiter le site du Géant-Des-Beaux-Arts

Fort de sa présence sur le Net, le Géant des Beaux-Arts peut se permettre d’offrir des prix bas toute l’année avec des promotions d’articles et de fournitures du type les « Prix Ronds » octroyant jusqu’à -80% de réduction, les « 2 achetés + 1 gratuit » ou encore les « Prix Zen sur le Noir & Blanc »… le Géant des Beaux-Arts est tellement assuré de vous proposer les prix les plus bas du Net qu’il vous rembourse la différence si vous trouvez moins cher ailleurs.

Le Géant des Beaux-Arts s’adresse à toutes et tous. Que vous soyez un artiste débutant ou confirmé, vous trouverez le matériel et les fournitures de Beaux-Arts dont vous avez besoin :

• matières brutes, peintures, textiles, supports et chevalets
• tout ce qui vous est indispensable pour le dessin, la calligraphie et les arts graphiques
• tout pour les travaux de céramique et de modelage ainsi que la sculpture
• le matériel d’encadrement et les livres ainsi que tout ce qu’un artiste numérique nécessite pour ses impressions. Cette liste n’est évidemment pas exhaustive…

Plus d’informations sur le site : www.geant-beaux-arts.fr

Si vous passez une commande de plus de 75 euros, vous pouvez utiliser les codes de réduction suivants :
DECOUVERTE : donne droit à une déduction de 15 euros dès 125 euros d’achat, mais n’est réservé qu’aux nouveaux clients passant leur première commande
REDUCGBA20 : donne droit à une déduction de 20 euros dès 150 euros d’achat, offre réservée aux nouveaux clients passant leur première commande. Valable qu’une fois et non cumulable.
FDP75 : offre les frais de port dès 75 euros de commande au lieu des 99 euros habituels

En plus des habituels châssis nus ou entoilés, chevalets, toiles à peindre et matériel de peinture, il est possible d’y trouver tout le nécessaire pour faire des encadrements tels que des cadres déco et des sous-verre. À noter que le site propose également divers types de cimaises pour mettre en valeur vos tableaux que ce soit chez vous ou dans un lieu d’exposition.

En plus de ce large choix de fournitures pour les arts graphiques, Labert Art propose également une section librairie dans laquelle vous trouverez de nombreux ouvrages pour débuter ou vous perfectionner : manuel du dessin, livres pour apprendre l’acrylique ou le pastel en 10 leçons, guide pratique du dessin, etc.

Non content de proposer l’essentiel pour les beaux-arts et les loisirs créatifs, le site est une mine d’idées pour celles et ceux qui veulent faire des cadeaux créatifs originaux. En effet, il est possible d’y trouver des coffrets et autres sets à partir de 5 euros.

Cliquez ici pour visiter le site Label Art – Fournitures Beaux-Arts au meilleur prix.

Toujours en ce qui concerne les tarifs bas, Label Art organise régulièrement des ventes flash, des promotions et des happy hours. Ces opérations sont destinées à proposer des prix sacrifiés sur une sélection d’article  pour dessin, aquarelle, acrylique ou huile sur une courte durée : produits d’appel, déstockage, fin de collection, etc.

Les écoles d’art ainsi que les lieux d’exposition seront également intéressés par la possibilité d’acquérir des châssis et des encadrement à prix réduit pour des commandes de plus de 100 pièces en ce qui concerne les cadres et de plus de 300 pièces pour les châssis, qu’ils soient nus ou entoilés.

Enfin, je terminerai cet article sur une note moins mercantile en signalant que Label Art a fait appel à Élisa, une peintre, qui apporte sa contribution et son regard d’artiste en prodiguant par exemple des conseils sur l’utilisation des produits ou en procédant à des tests sur ceux-ci. D’autre part, le magazine gratuit qu’elle publie sur le site, à savoir « La Route des Arts », est également riche de nombreux conseils et astuces à destination des artistes peintres.

La peinture abstraite lui permet de vivre ses émotions telles qu’elle les ressent. Le raffinement des couleurs,  les formes imaginaires et voluptueuses de ses créations, plonge le spectateur dans un univers pictural poétique.

Sa peinture est instinctive, pas d’esquisse au préalable. Le bonheur de l’artiste est de commencer une toile,  de voir évoluer sa création avec ses émotions de l’instant,  sans même savoir comment elle finira.

L’artiste peintre propose également sur son site des créations sur mesure. Ce concept permet à tous de pouvoir choisir la taille de sa toile, la couleur du fond ainsi que celle des motifs.

L’artiste a fait plusieurs expositions à Paris, ainsi qu’en région parisienne et en province.

Ses œuvres sont visibles sur son site Internet à l’adresse ci-dessous. N’hésitez pas à la contacter pour toute demande de renseignement : www.mapeinturesurtoile.com

Informations complémentaires :

• Cotation Drouot
• SIREN / SIRET : 533 463 287 00011
• APE : 9003A – Création artistique relevant des arts plastiques
• M.D.A n° d’ordre : F441247 – Artiste peintre professionnelle
• Adresse : 33 rue Victor Hugo, 92400 Courbevoie
• Tél. : 06.62.27.62.13

Cliquez sur les images ci-dessous pour voir un extrait des œuvres de Martine Belfodil :

Des centaines de petits formats s’alignent sur les murs et forment une collection, hétéroclite en apparence, d’objets de curiosité. Ils ont trouvé place dans ses malles, bien souvent, pour leur conformation particulière. Le collectionneur et la muséographie, vus par un artiste peintre.

Ses recherches les plus récentes l’ont conduit à s’intéresser à de nouvelles techniques. Il a ainsi réalisé des dessins en négatif sur rhodoïd qui interrogent ses travaux de peinture comme à rebours ainsi que des vidéos et gifs qui composent de véritables catalogues animés de son travail.

Franck David est un artiste dont le travail s’inscrit dans une démarche consciente des enjeux actuels de l’Art contemporain et de la place qu’y occupe la peinture. Selon ses propres dires, sa formation aux Beaux-Arts a fait de lui un peintre qui ne saurait se départir de son rapport à la matière.

Vous trouverez plus d’informations sur son site : www.franck-david-k.com

Cliquez sur les images ci-dessous pour voir un extrait des œuvres de Franck David :

Atelier-école (enseignement de loisir)

- cours d’aquarelle (3 niveaux) – cours de dessin (2 niveaux)
- cours de peinture à l’huile (dilution à l’eau)
- cours toutes techniques pour les enfants à partir de 6 ans.
- stages art et nature pendant les vacances scolaires et stages d’aquarelle de plein-air.
- carnet de voyage initiation et séjours.

Accueil: enfants, ado., adultes de tous niveaux du débutant à l’initié
Cours en groupes et cours particuliers nombreux créneaux horaires

Musée de l’Histoire de l’aquarelle
Il vous invite à parcourir le temps depuis les origines de la peinture avec les fresques préhistoriques nos jours, une déambulation ludique à travers 5 petites salles aux univers particulièrement soignés. Décoration intimiste qui vous plonge dans l’époque illustrée. Une centaine d’aquarelles réalisées par l’artiste Thierry Légume spécialiste de l’aquarelle et devenu copiste pour les besoins du musée, nous propose un éventail très riche des possibilités infinies de ce médium. De Durer à Cézanne en passant par Turner vous serait saisi par se parcours dans le temps.

Galerie
Deux salles d’expositions permettent d’organiser des expositions temporaires est accueillent des artistes à découvrir et d’autres reconnus. Possibilité d’exposer entre 20 et 40 tableaux selon les formats.

Les Jardins de l’aquarelle
Les jardins se trouve se le pôle art et nature et vous invite dans le joli village de Bouvancourt, un parcours (Parcours Végétal) de deux kilomètres vous permet de découvrir 8 jardins à thème sur l’espace communal, un fléchage vous guide afin de retrouver toute les composante d’un village, maire, église, cimetière, château d’eau, fermes, fontaines, lavoir… Une initiative très originale qui vous convie à poser votre chevalet pour immortaliser un coin de paysage.

Cet ensemble mérite bien son appellation de Maison de l’aquarelle et du dessin, osez franchir ses portes et entrez dans un lieu unique pour la valorisation et la pratique de l’aquarelle.

Contacts

A la recherche d’une peinture riche et profonde, intime et palpitante, cette plasticienne toujours curieuse et passionnée, explore les vibrations de la couleur et de la matière dans des compositions empiriques mais toujours maîtrisées. Ses aplats de couleur pure qu’elle multiplie en couches successives, puis qu’elle gratte, lave, abime et rehausse, donnent  à ses recherches une texture vibrante et tonique. Les couleurs fortes vivent et palpitent. Le relief est étonnant.

C’est une peinture que l’on a envie de découvrir du bout des doigts. Une peinture qui donne la main aux autres recherches de cette plasticienne qui explore avec talent la matière pour une « archéologie personnelle ». Ici les compositions se voudraient sculptures et la couleur cède la place à une belle matière dense et élégante. Nia_l travaille ainsi à différentes séries qui s’inscrivent logiquement dans une recherche globale, plus cyclique que linéaire.

Plus d’infos sur Nia-L sur son site : http://nia-l5.wix.com/abstrait-by-nia_l

Cliquez sur les images ci-dessous pour voir un extrait des œuvres de Nia-L :

C’est donc tout naturellement qu’elle enseigne ces disciplines et donne de temps en temps quelques concerts, soit en duo, soit en formation de musique de chambre. Ce n’est que depuis quelques années, comme s’il lui manquait quelque chose, que les couleurs de la peinture l’infiltreront et comme elle se plait à le dire la peinture est devenue son violon d’Ingres.

Ses œuvres, s’il est vraiment nécessaire de définir un style, s’apparentent plutôt à « l’abstraction lyrique », comme pour « symbioser » tous ses talents. Pour elle, la peinture doit « parler » d’elle même, comme la musique, sans explications, ni mode d’emploi.

Elle approfondit aussi une technique, mal connue, car non enseignée aux Beaux-Arts qui est la peinture à la bière. Tout comme elle enseignait la musique, elle dispense des petits stages d’initiation à cette technique si particulière qui a de plus le don de développer d’emblée la créativité. On peut participer à ses stages sans avoir jamais tenu un pinceau et être très vite sous le coup du charme, car cette « bière » fait des cadeaux, à saisir…

Evy a exposé dans divers salon de la région parisienne ainsi qu’au Carrousel du Louvre en 2006. Vous pouvez voir ses œuvres et entrer en contact avec elle sur sa page personnelle ici : www.artquid.com/evy.evy.

Cliquez sur les images ci-dessous pour voir un extrait des œuvres d’Evy :

Ayant commencé sur différents supports, notamment d’abord par l’écriture de nouvelles mettant en scène des personnalités psychotiques, puis par le modelage de visages sur argile et de peinture abstraites à l’œuf, il découvre tardivement les arts numériques, et c’est là qu’il prend le plus de plaisir, lui qui « ne sait pas dessiner« , l’outil informatique lui permettant de combler cette lacune et de mieux exprimer son mal-être.

Il commence par faire de petits montages photos sans prétention et évolue depuis vers un style plus personnel fait de personnages en mal d’amour. Son Pentaptyque des Pendus est à ses yeux sa plus belle réussite. Il utilise dans ses créations graphiques plusieurs images libres de droits trouvées sur le net, des photos qu’il prend, des textures, des textes qu’il écrit, des croquis qu’il griffonne… Et tente de tout concilier dans un tout cohérent exprimant une émotion, un ressenti, une idée.

C’est sa mère, sculpteur de formation, qui lui a légué son amour des arts. Les critiques qu’elle formule à l’égard de ses créations ont nettement contribué à sa progression. Et c’est parce qu’il croit fermement que la critique est un très bon moyen d’évoluer qu’il a récemment mis ses créations en ligne et qu’il vous invite à découvrir et à critiquer son travail pour pouvoir encore s’améliorer.

Cliquez ici pour voir le site de Nini : http://mes-images.org.

Cliquez sur les images ci-dessous pour voir un extrait des œuvres de Nini :

Suite à cette expérience, il retourne à la peinture sur toile et se met alors à produire plusieurs séries dont « Les Maux », « Oiseaux » et « Mythiques » pour ne citer que celles-ci. La série « Mélancolie », l’une des plus personnelles d’après ses dires, se démarque vraiment des autres avec des thématiques qui pourraient déranger, ou à tout le moins déclencher chez l’observateur des émotions et sensations quasi charnelles. Ces toiles représentent des modèles tiraillés, tailladés ou sujet à des maux troubles voire effrayants. Il n’en reste pas moins que cette série fait montre d’une maitrise indéniable de l’art pictural.

Pour plus d’informations, visiter le site de François Mouillard : www.francois-mouillard.fr

Cliquez sur les images ci-dessous pour voir un extrait des œuvres de François Mouillard :

Le fait de passer du pinceau au couteau avec un geste plus large , lui permet de se sentir plus proche de sa réalité émotionnelle et artistique.

Pierre Paul Marchini travaille uniquement à l’huile qui selon lui permet des effets incomparables. Ses œuvres absolument modernes oscillent entre un abstrait tantôt lyrique, tantôt décoratif. Amoureux de la Corse, son style retranscrit la diversité de tons et de couleurs de l’Île de Beauté.

Pierre Paul Marchini est référencé dans l’édition 2011/2012 du dictionnaire Larousse « Cotation des Artistes ». Il est également diplômé de  l’Académie Européenne Arts – Lettres – Philosophie qui lui a octroyé en 2012 la médaille de bronze. Cette liste n’étant pas exhaustive.

Pour en savoir plus sur cet artiste, visitez son site ici : marchini-galerie-peintures.com

Cliquez sur les images ci-dessous pour voir un extrait des œuvres de Pierre Paul Marchini – Artiste Peintre :

Au cours des années suivantes, elle se forme auprès de ses pairs et découvre des hommes et des femmes passionnés par la terre et qui l’ont enrichie de leurs expériences. C’est en 2007 qu’elle décide de se consacrer entièrement à la création.

Kinesthésique ? Sans doute ! Elle est fascinée par la terre et le pouvoir du toucher. Faire naître d’un pain de terre par le simple contact des mains ou de l’outil, une silhouette, un mouvement, un sentiment la comble de joie.

Ses créations sont un éloge à la femme et  évoluent toujours dans l’univers subtil de l’élégance du nu féminin. Fidèle à ce règne de la féminitude, ses « Jeux de jambes » sont un autre hymne à la sensualité et à la grâce.

Pour en savoir plus, visitez le site personnel de cet artiste : www.veroniquevantesone.fr

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Elle travaille sur le rapport texte-image et s’inspire de textes de Virginia Woolf, Roland Barthes, Cormac McCarthy… posant ainsi un regard politique mais néanmoins poétique sur le monde qui nous entoure. LN Le Cheviller s’inspire aussi de l’actualité contemporaine (écologie, migrations, guerre, consommation) au travers d’images glanées dans les médias puis transformées.

Son mode de représentation, plutôt abstrait, utilise différents langages et techniques pour les imprégner des codes et des problématiques contemporaines.

Plus d’infos sur son site personnel où elle vous présente son travail de peinture, gravure, photographie et installations : www.lnlecheviller.com

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